Mark Chung, der Vorsitzende des VUT (Verband unabhängiger Musikunternehmen e.V.), hat in einem offenen Brief auf einen Artikel von Berthold Seliger reagiert. Der offene Brief wurde unter anderem auch auf Spreeblick veröffentlicht.

In diesem Brief finden sich einige diskutable Ansichten wieder, auf die hier eingegangen werden soll, weil sie Sichtweisen und Argumentationen darstellen, die mir in Gesprächen häufiger begegnen.

Mark Chung schreibt am Anfang über den seiner Meinung nach offensichtlichen Interessenkonflikt:

Der grundlegende und offensichtliche Interessenkonflikt besteht seit einigen Jahren zwischen Technologiekonzernen, die von der Verbreitung von Inhalten profitieren OHNE in Künstler oder die Produktion neuer Inhalte zu investieren einerseits und Medienunternehmen und Künstlern, die diese Inhalte produzieren, andererseits.

Er zählt dann als Technologieunternehmen Google, Accessprovider und Hoster wie Megaupload und Rapidshare auf.

Das ist eine Ansicht, die mir in letzter Zeit recht häufig begegnet. Sie ist leider irreführend. Es ist durchaus nachvollziehbar, dass man als Problem für die eigene Branche keine einer Naturgewalt gleichende Veränderung der gesamten Rahmenbedingungen ausmachen will und stattdessen lieber Gegner mit Gesichtern bevorzugt.

Aber genau so, wie Napster Ende der Neunziger und später Soulseek, Kazaa und wie sie alle hießen nicht das Problem gewesen sind, so sind auch heute Technologiekonzerne wie Google nicht das Problem. Oder anders: Sie sind eher Manifestationen der Folgen nicht die Auslöser.

Es ergibt keinen Sinn, seine Kraft darauf zu verwenden, die einzelnen Tauschbörsen zu schliessen, weil, wie viele Beobachter von Anfang an verwiesen, schlicht neue Systeme an ihre Stelle treten.

Die Musikindustrie hat immer wieder vermeintliche Siege gegen Filesharing gefeiert, als sie erst Napster zur Schliessung brachten und später als sie etwa große BitTorrent-Tracker in die Knie zwang. Kein in der Presse zelebrierter Sieg hat die zugrundeliegende Entwicklung aufgehalten.

Wie viele Jahre müssen noch vergehen, wie viele vermeintliche Siege müssen noch kommen, die sich später als etwas herausstellen, über das sich selbst Pyrrhus noch freuen würde, bis die Erkenntnis reift, dass hier sich etwas ganz grundlegend ändert?

Natürlich profitiert Google von geringeren Urheberrechten oder kürzeren Fristen, so dass Inhalte frei auf ihren Plattformen wie etwa YouTube zirkulieren können. Na und? “Ja aber dann verdienen die noch mehr Geld.” ist kein Argument.

Sind Megaupload, Rapidshare und co. ein Problem? Sicher. Aber warum sind sie das? Weil es unglaublich billig geworden ist, Kopien von Dateien auf Servern vorzuhalten und zum Download anzubieten. Deshalb sind auch Box.net und Dropbox und viel andere Hosting-Anbieter ebenso auf dem Vormarsch wie auf dem Radar der Tonträgerindustrie.

Filesharing, One-Click-Hoster und Streamingplattformen, das gehört alles mehr oder weniger in den selben Digitalisierungstopf.

Natürlich gibt es Unternehmen, die Profit aus der Digitalisierung und manche davon dabei auch teilweise aus gesetzlichen Grauzonen oder gar aus Umständen ziehen, die zwar illegal, aber nicht sinnvoll verfolgbar sind.

Aber das Problem vieler aus Film- und Musikbranche bleibt bestehen: Sie verwechseln Ursache und Wirkung.

Mark Chung verweist als nächstes auf das gestiegene Durchschnittsalter der erfolgreichsten Live-Künstler:

Als Veranstalter von Konzerten könnte Dir allerdings aufgefallen sein, dass das Durchschnittsalter der 50 erfolgreichsten Live-Künstler 2010 mittlerweile 46 Jahre beträgt, mit mehr Künstlern in ihren 60ern als in ihren 20ern [2]. Und dass nur 2 der 10 erfolgreichsten Livekünstler 2010 in den letzten 20 Jahren populär geworden sind (Lady Gaga und Michael Buble) [3].

Greg Kot von der Chicago Tribune beschreibt in seinem lesenswerten Buch Ripped: How the Wired Generation Revolutionized Music (Affiliate-Link) wie erfolgreiche junge Künstler dank Internet und dank Filesharing, Musikblogs und Onlinmedien wie Pitchfork vor einem Problem stehen, das so gar nicht in die Narration der Branche passt: Sie werden zu schnell zu groß. Ihre Konzerte sind ausverkauft, bevor das erste Album veröffentlicht ist und bevor sie im Auftreten geübt sind.

Es gibt sie also, die erfolgreichen jungen Musiker. Was aber ist los mit den alten Konzert-Topverdienern?

Dafür kann es viele Erklärungen geben:

• Die Unternehmen, die an großen Tourneen mitverdienen, stecken entsprechend große Marketingbudgets rein.
• Die großen Stars sind die Stars einer ehemaligen industriellen Musikbranche, die natürlich aufgrund der Rahmenbedingungen (begrenzte MTV-Zeit, begrenzte Regalflächen) gar nicht anders konnte, als den kleinsten gemeinsamen Nenner immer stärker hervorzuheben -> Superstars
• Heutzutage gibt es seltener neue Superstars, dafür mehr Stars in ihren jeweiligen Genres, beziehungsweise eine stärkere “Zersplitterung” (eigentlich Normalisierung, Heterogenisierung), weil die Begrenzungen der industriellen Prozesse (siehe vorhergehenden Punkt) weitestgehend weggefallen oder zumindest stark verringert wurden
• Die Verteilung an der Spitze sagt wenig über den gesamten Markt aus. Es gibt einen lebendigen Long Tail im Livesektor. (Wie weiter unten ausgeführt, sind die Gesamtumsätze er Branche in mehreren Ländern gestiegen, nicht zuletzt dank der Zuwachsraten im Livegeschäft.)

Egal was der Grund ist: Aus der Verteilung des Livegeschäfts lässt sich nicht automatisch eine Grundlage für ein notwendiges Handeln im Urheberrecht oder in den gesetzlichen Rahmenbedingungen für das Onlinegeschäft ableiten. Eine solche Forderung würde die Komplexität des Sachverhalts vollkommen verkennen.

Mark Chung weiter:

Aber jeder, der heutzutage erwägt in junge Musiker zu investieren, jeder der darüber nachdenkt, den Job aufzugeben um sich der Musik mit aller Kraft und Energie zu widmen – in meiner Welt fast immer eine Voraussetzung für Weiterentwicklung und herausragende Ergebnisse – jeder, der  versucht die Finanzierung für einen etwas ungewöhnlichen oder bahnbrechenden Film zusammenzubekommen und Augen, Ohren und ein Hirn dazwischen hat, weiß, dass hier massive Probleme entstanden sind, die wir lösen müssen.

Das ist alles nicht falsch. Und sicher wurde es nicht einfacher, seit die Unternehmen, die für die Vorfinanzierung verantwortlich sind, mit ihren Geschäftsmodellen straucheln.

Aber bei den Majorlabels war die Risikobereitschaft auch bereits in den Neunzigern weniger der Rede wert. Dort hat sich maximal marginal etwas geändert.

Und für die Filmbranche lässt sich sagen, dass nicht nur die Gesamtanzahl der in den USA veröffentlichten Filme in den letzten zehn Jahren kontinuierlich gestiegen ist, sondern Hollywood zusätzlich zumindest 2009 historische Rekordprofite verzeichnen konnte:

In 2009, the leading Hollywood studios made more films and generated more revenue than ever before, and for the first time in history the domestic box office grosses will surpass $10 billion.

Natürlich versuchen die Filmstudios ihre Situation anders darzustellen als sie ist. Davon sollte man sich aber nicht beirren lassen. Filesharing hatte praktisch keine, oder wenn dann nur marginale Auswirkungen auf die Geschäftsentwicklung im Filmsektor. (Das ist auch relativ leicht erklärt: Das kollektive Kinoerlebnis ist nicht kopierbar.)

Die Filmbranche ist noch für einen weiteren Vergleich gut: In Nigeria, China und Indien entwickelt sich die Filmbranche nicht trotz sondern aufgrund von illegalen Filmkopien sehr gut.

Die Entwicklung einer Branche, die vermeintlich auf das Urheberrecht und dessen Achtung angewiesen ist, ist also nicht immer so stark auf Gedeih und Verderb auf dieses Recht angewiesen, als vielmals vermutet. (Und mit ‘vermutet’ meine ich ‘als unumstössliche Wahrheit angenommen, deren Infragestellung bereits als Sakrileg ausgelegt wird’.)

Weiter im Text:

Die objektiven Interessen der Künstler und Produzenten sind ebenfalls offensichtlich: Für die Nutzung der von Ihnen hergestellten Inhalte eine angemessene Vergütung zu erhalten und – im Erfolgsfall – Profite zu erzielen.

Was ist angemessen?

• Ist es angemessen, eine geringe/mittlere/hohe Bezahlung von YouTube zu verlangen, wenn diese Plattform das eigene Musikvideo 14 Millionen Mal abgespielt hat?
• Hat MTV früher für das Abspielen der Videos bezahlt?
• Welches Independent-Label könnte sich eine Website leisten, auf der die eigenen Musikvideos millionenfach abgerufen werden?
• Wo würde die Community, also die Reichweite, für die eigene Lablvideoseite herkommen?
• Wenn ein Musiker mit seiner Musik auf einer Plattform populär ist, sollte er dann nicht die Reichweite durch diese Plattform nutzen, um daraus Gewinn zu erhalten, der weit über die wenigen Werbepennies hinausgeht, die die meisten kostenfreien Plattformen pro Inhalt verdienen?
• Was wäre, wenn YouTube allen Forderungen der Musiklabels nachgibt und gleichzeitig für die offiziellen Labelaccounts einen neuen Preis von sagen wir 500€/Monat aufwärts einführt? Die Labels müssen nicht auf YouTube sein. Sind sie es nicht, fehlen aber dort auch ihre Videos. Wären alle Labels dann zufrieden?

Ich sage nicht, dass es auf diese Fragen eindeutige Antworten gibt. Ich möchte damit nur darauf hinweisen, dass in der Musikbranche oft sehr einseitig argumentiert wird:

Es wird die vermeintliche Kostenloskultur beklagt, weil man hier und da nicht für das Bereitstellen der Musik direkt bezahlt wird. Es wird gleichzeitig als selbstverständlich akzeptiert, dass man für Plattformen wie YouTube, Twitter und Facebook nicht bezahlt.

Mark Chung weiter:

Künstler und Medienunternehmen sind Nutzer und Lieferanten von Inhalten des Internets wie alle anderen inklusive derjenigen, die hieraus eine Weltanschauung machen. Aus objektiver Sicht gibt es kein spezifisches Interesse von Künstlern oder Musikunternehmen, bürgerliche Freiheiten einzuschränken. Ihr Interesse besteht darin, für die Nutzung ihrer Werke Vergütungen zu erhalten. Hier gilt es Lösungen zu finden.

Das ist richtig. Das Dilemma ist nur: Um tatsächlich das Urheberrecht, wie es im 19. Jahrhundert erdacht wurde, auch im 21. Jahrhundert durchzusetzen, müssen online Bürgerrechte beschnitten werden.

Entweder Urheberrecht oder Privatsphäre.

Entweder totale Überwachung des Datenverkehrs oder nicht kontrollierbare Distribution.

Es geht nur das eine oder das andere.

Und dieser zwingende Zusammenhang führt dann natürlich dazu, dass die Forderungen der Entertainmentindustrie Beschneidungen von Bürgerrechten bedeuten. Es ist vollkommen egal, wie oft man beteuert, daran kein Interesse zu haben, wenn man gleichzeitig in genau diese Richtung die eigenen Lobbyisten losschickt. Und natürlich fällt das Aktivisten und Bürgerrechtlern auf und natürlich wehren sie sich dagegen. Dieser Interessenskonflikt ist real, und nicht, wie Mark Chung mutmasst, ein Konstrukt der PR-Strategen von Technologiekonzernen.

Natürlich nutzen letztere diesen Konflikt, um die eigenen Interessen zu unterstützen. Das führt aber nicht dazu, dass dieser Kampf nicht real sei.

Das Prinzip von Propaganda hat sich nicht verändert – man muss Dinge vor allem oft genug wiederholen, dann glaubt die Mehrheit der Bevölkerung sie irgendwann – unabhängig vom Wahrheitsgehalt.

Stimmt. So hat sich der unsinnige Begriff der Raubkopie etablieren können. Und noch immer gibt es viele Leute, die irreführenderweise Filesharing und Diebstahl gleichsetzen, weil sie entweder nicht wissen, wovon sie reden, oder weil sie eigene Interessen verfolgen, für deren Zwecke eine leichte Dehnung der Realität ganz hilfreich sein kann.

Interessant, um die Argumentationslinie vieler aus den Kreativbranchen zu verstehen, ist auch folgender Absatz:

Dagegen ist 100% sichergestellt, dass Künstler ÜBERHAUPT KEINE Beteiligung erhalten, wenn Unternehmen wie Rapidshare, Megaupload (aber auch Google [8]) unlizensiert substantielle Beträge mit ihren Werken verdienen.

Verlinkt ist ein Artikel auf Digital Music News, der einige AdWords-Partner von Google auflistet. Darunter befinden sich BitTorrent-Tracker und One-Click-Hoster.

Mit AdWords und AdSense kann praktisch jeder werben, der von Google nicht ausgeschlossen wird. Das System ist so weit es geht automatisiert.

Was Mark Chung hier also sagt: Google verdient mit, wenn diese mit unautorisiert bereitgestellten Inhalten Geld verdienen, weil Google für Werbung Geld von ihnen nimmt.

Das ist auf der Oberfläche richtig, und darüber kann man sich schön echauffieren. Aber was sollte denn die Alternative sein?

Googles Werbesystem funktioniert so gut, weil es auf den Long Tail abzielt, weil es dort einen neuen Markt geschaffen hat. Das wiederum funktioniert in der Masse nur, wenn vieles automatisch abläuft. Das wiederum bedeutet, dass eben nicht alles immer überprüft werden kann. Wie sollte es auch? Und warum?

Sollte Google Unternehmen die Werbemöglichkeit untersagen, weil auf deren Plattformen Urheberrechtsverstösse möglich sind?

Ist Mark Chung auch der Meinung, dass Kreditkartenunternehmen ‘unlizensiert substantielle Beträge mit den Werken der Künstler verdienen’, weil viele dieser Anbieter Premiumaccounts mit Kreditkartenbezahlung anbieten?

Der Vorwurf von Herrn Chung ist exemplarisch für viele Argumentationen von Vertretern aus der Film- oder der Musikbranche:

• es erscheint auf der richtigen Seite der Moral
• oberflächlich erscheint es schlüssig, ja geradezu offensichtlich
• die Komplexität des Sachverhalts und die Implikationen des implizit Geforderten werden komplett ausgeblendet/nicht erkannt

Mark Chung zählt schließlich viele Studien zu Filesharing und den Auswirkungen auf Verkäufe auf. Er leitet sie mit folgenden Worten ein:

Die Auswirkungen unvergüteter Musiknutzungen wurden seit Jahren in unabhängigen wissenschaftlichen Studien untersucht und dokumentiert. Alle nachstehend genannten Untersuchungen sind nach wissenschaftlichen Richtlinien entstanden und von anerkannten Fachzeitschriften mit peer review publiziert worden.

Die nachfolgenden Studien (siehe auch hier für eine Liste) habe ich noch nicht alle gesichtet (Die meisten sind von 2004 und 2005 und damit bereits recht alt). Aber es lässt sich bereits sagen, dass seine Aussage über die Verlässlichkeit seiner Quellen nicht so ganz stimmt.

Er bezieht sich zum Beispiel auf einen BASCAP-Report. Was Wikipedia über BASCAP zu sagen hat:

The Business Action to Stop Counterfeiting and Piracy (BASCAP) was established in 2005 by the International Chamber of Commerce (ICC) to take a role in the fight against counterfeiting and piracy.BASCAP aims to unite global business community to more effectively identify and address intellectual property rights issues and petition for greater commitments by local, national and international officials in the enforcement and protection of IPR.

BASCAP zählt zu den Institutionen, die das undemokratische internationale ACTA-Abkommen vorantreiben.

Über BASCAPs Ziele sagt Wikipedia:

BASCAP’s long term goal is to press governments to take concrete action to reduce and ultimately eliminate counterfeiting and piracy. Shorter term, BASCAP’s priority is to push for significantly higher benchmarks for government performance at the national, regional, multi-lateral and international level.

Das ist in meinen Augen so weit von einer ernst zunehmenden wissenschaftlichen Quelle entfernt wie es nur geht.

Mark Chung fasst die Ergebnisse seiner zusammengesuchten Studien so zusammen:

Man kann davon ausgehen, dass es wie immer multiple Ursachen für Umsatzrückgänge gibt, nur wurden andere Faktoren bisher nicht zuverlässig identifiziert und nachgewiesen. Der gegenwärtige Stand der Forschung spricht dafür, dass unlizensierte Musiknutzungen den größten bisher bekannten Anteil an den Schäden und Einkommensminderungen verursacht haben.

Unabhängig von den Quellen, die ich jetzt nicht im einzelnen überprüft habe, die aber, wie oben am Beispiel von BASCAP gezeigt, nicht zwingend dem Bild entsprechen müssen, das Herr Chung anfangs gezeichnet hat: Natürlich hat Filesharing einen Einfluss auf den Rückgang des Tonträgerverkaufs gehabt.

Ich hoffe, dem geneigten Leser ist zu diesem Zeitpunkt etwas aufgefallen, dass Mark Chung entgangen zu sein scheint: Wir reden auf einmal von Filesharing, nicht mehr von den bösen Technologiekonzernen und ihren gewieften PR-Strategen.

Die Musikbranche hat Feinde an allen Fronten. Oder ist es etwa doch ein grundlegender Wandel, der sie betrifft?

Mark Chung übersieht etwas weiteres: Es spielt fast keine Rolle, welche Auswirkungen Filesharing auf den Tonträgerverkauf haben, denn:

1. Jede ’stärkere’ Durchsetzung des Urheberrechts im Internet bedeutet ein Verlust von Bürgerrechten (siehe oben). Selbst wenn illegales Filesharing zu 100 Prozent entgangenen Verkäufen entsprechen würde, was definitiv nicht der Fall ist, würde das nichts daran ändern, dass auch die größten Musikfans wie ich nicht private Kommunikation zugunsten eines wirtschaftlichen Erfolgs der Musikbranche aufgeben werden.

2. Der Tonträgerverkauf stellt nur einen kleinen Teil der gesamten Musikbranche dar.

Ich zitiere den Teil der Studie von Felix Oberholzer-Gee von Harvard und Koleman Strumpf von 2010, den ich bereits auf neumusik.com letztes Jahr zitiert hatte:

Data on the supply of new works are consistent with our argument that file sharing did not discourage authors and publishers. The publication of new books rose by 66% over the 2002-2007 period. Since 2000, the annual release of new music albums has more than doubled, and worldwide feature film production is up by more than 30% since 2003. At the same time, empirical research in file sharing documents that consumer welfare increased substantially due to the new technology.
[..]
While file sharing disrupted some traditional business models in the creative industries, foremost in music, in our reading of the evidence there is little to suggest that the new technology has discouraged artistic production. Weaker copyright protection, it seems, has benefited society.
[..]
The decline in music sales — they fell by 15% from 1997 to 2007 — is the focus of much discussion. However, adding in concerts alone shows the industry has grown by 5% over this period. If we also consider the sale of iPods as a revenue stream, the industry is now 66% larger than in 1997.

Aktuelle Zahlen sind gar nicht so wichtig, wie die Erkenntnis, dass über Filesharing verbreitete Güter als komplementäre Güter verstanden werden sollten, die Einnahmen an anderen Stellen unterstützen. Techdirt:

One of the key points that the paper makes is that many people have difficulty (especially beforehand) in recognizing whether certain products are substitutes or complements. If products substitute for others (i.e., downloads take away from sales), then a market can be harmed. However, if the products are actually complements (i.e., more content boosts other parts of the market), then a market can actually be helped. The detailed research that Oberholzer-Gee and Strumpf go through clearly shows (pretty unequivocally) that file sharing is a complementary good that has massively boosted many different ancillary markets, and created a fantastic consumer surplus without actually decreasing output. In fact, quite to the contrary, as noted above, creative output has risen at a dramatic pace.

Der Gesamtumsatz der Musikbranche, also nicht nur Tonträgerverkäufer, ist nachweislich in mehreren Ländern (Norwegen, Schweden, UK, USA) aus verschiedenen Gründen in den letzten Jahren gewachsen. Der Output der Branche hat auch quantitativ zugenommen.

Das ist alles gut. Das ist sogar sehr gut für die Branche. Denn es ist für die Gesetzgebung mehr oder weniger irrelevant, ob die Musikbranche wächst oder eingeht, ob alte Musiker mehr verdienen oder ob junge Musiker zu schnell Publikum finden:

Die Musikbranche wird nicht auf dem Rücken von Bürgerrechten mit brachialer Gesetzesgewalt ihr heißgeliebtes Gestern wiederbekommen.

Was für ein Glück, dass sie das auch gar nicht benötigt!

Es ist frustrierend mit anzusehen, wie selbst der Vorsitzende der Vereinigung der unabhängigen Unternehmen auch 2011 noch so viel Energie darauf verwendet, an den falschen Fronten zu kämpfen und auf die falschen Lösungen zu hoffen.

Die Branche muss endlich die Realitäten erkennen, die seit Jahren offensichtlich sind:

• Der Tonträgerverkauf in großem Umfang wird nie wieder ein wichtiges Standbein der Branche werden.
• Man kann nicht digital das Analoge simulieren und glauben, das sei eine gute Grundlage für ein Geschäftsmodell.
• Das Internet ist eine riesige Kopiermaschine, die das Kopieren immer einfacher macht.
• Die wirtschaftliche Erlösung der Musikbranche wird niemals in einem wie auch immer ‘modernisierten’ Urheberrecht liegen.

Je länger es dauert, bis man das akzeptiert, desto mehr alte Strukturen werden ersatzlos verschwinden. Sie werden verschwinden, weil sie Kämpfe kämpfen, die weder gewinnbar noch zwingend in ihrem Interesse sind. Sie werden verschwinden, weil sie ihre Zeit nicht sinnvoll damit verbracht haben, einen neuen Platz in einer neuen Umgebung zu finden.

Wir befinden uns im Jahr 12 nach Napster und die Majors fallen wie Dominosteine. Den VUT-Mitgliedern wird es nicht anders ergehen, wenn sie der gleichen Meinung wie ihr Vorsitzender sind und sich entsprechend verhalten.

(Abschließende Anmerkung: Auf die impliziten verschwörungstheoretischen Anschuldigungen von Mark Chung gegen diverse etablierte Institutionen und Publikationen bin ich aus Gründen ihrer offensichtlichen Realitätsferne und allgemeinen Murksigkeit nicht eingegangen. Nichtsdestotrotz will ich darauf hinweisen, damit nicht der Eindruck entsteht, ich würde dem stillschweigend zustimmen.)

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Wie verändert die Digitalisierung bestehende Industrien und Branchen? Das ist eine der spannendsten Wirtschaftsfragen unserer Zeit.

Die Musikbranche wurde dank der MP3 als erste Branche am härtesten getroffen. Zuerst haben wir die kreative Zerstörung gesehen: Filesharing hat das Geschäftsmodell der Musiklabels, einer der bestimmenden Unternehmensklassen der Branche, aus den Angeln gehoben.

Dann kam erstmal lang nichts. Nicht zuletzt, weil jede legale Alternative von den Musiklabels über den Lizenzweg ausgeblutet wurde.

Nun sehen wir langsam, vielleicht auch weil die Majorlabels nicht mehr die Macht haben, die sie einmal hatten, wie erfolgreiche Musikdienste abseits der Simulation des Analogen (Dateiverkauf bei iTunes und Amazon MP3 zum Beispiel) entstehen.

Turntable.fm, Spotify, Soundcloud, um nur drei zu nennen. Aus diesen neuen Angeboten heraus verändert sich die Organisation der Musik, wie sie im industriellen Zeitalter sinnvollerweise stattfand.

Aus dem Album, der starren Playlistvorgabe der Künstler/Label/Anbieter, wird die flüssigere Playlist.

Auf neumusik.com habe ich heute eine meiner letzten Musikmarktkolumnen unter dem Titel Das Musikformat der Zukunft? Die Playlist. veröffentlicht, worin ich schreibe:

Die Playlist. Irgendjemand stellt irgendwo eine Reihenfolge für das Abspielen von Songs auf. Und das oft nicht nur für sich allein: Spotify-Playlists werden bereits heute auf Sites wie sharemyplaylists.com unter Nutzern geteilt. Playlists ersetzen die Alben und die Mixtapes. Man kann sogar sagen, dass das Album eine Playlist ist, die vom Musiker vorgeschlagen wird. Ob On-Demand-Streaming-Dienst oder iPod: Diese Playlist lässt sich heutzutage leichter als in Vinyl-Zeiten abändern. Das gute alte Mixtape dagegen war, wenn wir bei unserer Playlistifizierung der Begriffe bleiben, die erste Playlist von Musikfans für Musikfans.Die heutige viel flexiblere Playlist ist der neue musikalische Kontext für Musikstücke.

Das hat enorme Auswirkungen für den Musikkonsum. Mit Tomahawk wird an einem neuartigen Konzept eines Musikplayers gearbeitet, der nur noch auf die Metadaten angewiesen ist, und die eigentliche Musik von da holt, wo er sie gerade vorfindet, sei es nun Spotify, Soundcloud oder YouTube. Mein Fazit zu Tomahawk auf neumusik.com:

Angesichts des Aufstiegs verschiedenster On-Demand-Streaming-Dienste werden wir sicher noch viel von Tomahawk und anderen Playern hören, die in eine ähnliche Richtung gehen. Die Playlist ist das zentrale Element künftigen Musikkonsums. Auch die Tatsache, dass Tomahawk erweiterbar ist, dürfte in Zukunft noch für einige Überraschungen sorgen.

In ein paar Jahren werden die meisten neuen Musikdienste nur noch auf Metadaten setzen und die Musik von hier und da holen, weil sie einfach aus so vielen Quellen wird abrufbar sein, dass man in 90 Prozent der Fälle die Musik immer irgendwo finden wird. (Und die restlichen 10 Prozent können dann immer noch auf den Festplatten oder Servern  von einem selbst oder von den Freunden liegen.)

Das Interessante ist, dass sich ebenso wie Filesharing, das Symptom für eine tiefgreifende Veränderung, das viele für die Veränderung selbst hielten, auch diese Entwicklung analog auf andere Branchen übertragen lässt, sei es nun Presse, Buch oder Film/TV oder Branchen abseits von Medien und Unterhaltung.

Die Frage(n) für jede betroffene Branche lautet: Was lässt sich im digitalen Kontext besser organisieren als im industriellen Umfeld? Wie würde man heute, ohne Altlasten, dieses und jenes umsetzen? Was wurde zusammengeschweißt aus Notwendigkeit und nicht aus Nutzen?

Der Musikbranche stehen spannende Zeiten bevor. Wer aber glaubt, dass in einer solchen Welt Menschen in fünf oder zehn Jahren noch Dateien erwerben, der hat die Phantasie eines Stücks Waldweg. Spannend ist aber schließlich auch, dass eines der dominierenden Geschäftsmodelle der Branche von der Branche künftig nicht mehr gebraucht wird.

Look closer. The canary is alive.

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Gestern hatte ich bereits über die Aussichten von Amazon Cloud Drive und Cloud Player geschrieben:

Meine Prognose ist, dass Amazon über kurz oder lang aus dem Cloud Drive eine Plattform macht, die quasi eine Art AWS für Endkonsumenten darstellt und mittels APIs von Startups integriert werden kann. Man denke etwa an leichte Transfermethoden von Dateien von externem Dienst zu Cloud Drive und in die andere Richtung. Oder man denke auch an Apps zur Bearbeitung von im Cloud Drive abgelegten Dateien (ähnlich Box.net) oder Clients für den Zugriff auf dort abgelegte Dateien (Innovative Musikplayer für verschiedenste Plattformen etwa).

Craig Pape, Director of Music bei Amazon, deutet im Interview mit Billboard auf etwas Ähnliches hin:

We get that more of our customers’ lives are based digitally. So we felt it was important to have a consumer-facing version of cloud storage. Quite honestly, the average customer hasn’t been thinking about the cloud, so we may be the ones that explain it to them in a consumer-friendly kind of way.

Zusätzlich scheint Amazon bereits in Verhandlungen mit Labels zu sein, um Lizenzen zu erwerben, für das, was man mit Cloud Drive und Cloud Player noch vor hat:

Amazon has told the labels that it wants to use today’s launch as a starting point for a more advanced service, which would require licenses — and, presumably, a new revenue stream for the labels.

Aktuell gibt es noch Streit zwischen Majorlabels und Amazon, weil letzteres seinen Onlinemusikspeicherdienst ohne Lizenzen gestartet hat. (Die aber wahrscheinlich auch gar nicht nötig sind.)

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Auf neumusik.com beschäftige ich mich ausführlich mit den verschiedenen Aspekten zum neuen Onlinemusikspeicher von Amazon. Hier mein Ausblick:

Meine Prognose ist, dass Amazon über kurz oder lang aus dem Cloud Drive eine Plattform macht, die quasi eine Art AWS für Endkonsumenten darstellt und mittels APIs von Startups integriert werden kann. Man denke etwa an leichte Transfermethoden von Dateien von externem Dienst zu Cloud Drive und in die andere Richtung. Oder man denke auch an Apps zur Bearbeitung von im Cloud Drive abgelegten Dateien (ähnlich Box.net) oder Clients für den Zugriff auf dort abgelegte Dateien (Innovative Musikplayer für verschiedenste Plattformen etwa).

Da Amazon mit S3 und AWS allgemein bereits für den B2B-Bereich Erfahrung in der Bereitstellung von Onlinespeicher und Rechenpower im großen Stil sammeln konnte, sehe ich kein Argument, warum Amazon mit Cloud Drive nicht zum neuen Intermediär für diesen Bereich auch auf der B2C-Seite werden kann. Amazon kann zumindest auf Kostenseite/Preise für die Endkonsumenten aufgrund enormer Skaleneffekte punkten. Kein zu unterschätzender Aspekt.

Mittel- bis langfristig kann das enorme Auswirkungen nicht zuletzt auf den Sektor der Onlinemusikspeicher- und Streamingdienste haben. Apple und Google dürften sich also jetzt beeilen, um nicht zurück zu fallen.

Weiterlesen auf neumusik.com.

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Union Square Ventures und Index Ventures haben in das Berliner StartupSoundCloud investiert. Erst wenige Tage vorher hat SoundCloud mit der Einführung eines Content-ID-Filters für Furore gesorgt.

Beides dürfte wohl zusammenhängen, wie ich auf neumusik.com schreibe:

Das Timing dürfte kein Zufall sein: Eine Bedingung für die Finanzierung war höchstwahrscheinlich, dass SoundCloud sich gegen etwaige Ansprüche von Rechteinhabern absichert. Das heißt präventiv einen Filter für Anspruchsteller bereitstellen und auf der Plattform ‘aufräumen’.

Das ändert natürlich mittel- bis langfristig auch das Wesen von SoundCloud. Bereits im Dezember 2010 hatte SoundCloud angefangen, DJ-Sets vermehrt zu entfernen.

Will SoundCloud weiter wachsen, und dazu auch von externen Investoren Geld aufnehmen können, hat es keine andere Wahl als so zu handeln.

Techdirt merkte zur Einführung des Filters an:

But, of course, the problem with all of this is that it goes back to creating permission culture, rather than a culture where people freely create. You won’t be able to use these popular or useful tools to build on the works of others — which, contrary to the claims of today’s copyright defenders, is a key component in almost all creativity you see out there — without first getting permission. The systems will try to block it, until you make your case that something is fair use — though many will just not bother. This is unfortunate, and really shuts down a major opening for creativity these days. If you look at the history of music, nearly all popular music today is built on earlier works, without first getting permission. It would be a terrible situation if we end up shutting off that form of creativity by requiring permission for everyone first.

Das Problem liegt natürlich nicht bei SoundCloud und auch nicht bei den Investoren. Es liegt im gesetzlichen Rahmen:

The issue isn’t to blame the tools providers for implementing such features, but to look more deeply at the state of copyright law today, where we’re increasingly suffocating the real purpose of fair use, which was to allow such creativity, without first requiring permission. These filters don’t understand fair use, so they assume anything that matches is infringement, and because of that, we all suffer.

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Auf der Netz:Regeln-Veranstaltung der Heinrich-Böll-Stiftung am vergangenen Wochenende hat Christian Sommer von der GVU den üblichen Fehler gemacht:

Er verwies auf das Experiment von Radiohead, das Album In Rainbows kostenlos zum Download anzubieten und es denn Fans zu überlassen, was sie bezahlen wollen. (Zu dem Experiment gehörten auch verschiedene Album-Editionen. Das wird aber meist vergessen.) Sommer benannte bedeutungsschwanger die 75 Prozent, die den kostenlosen Download annahmen, ohne zu zahlen. Also ganz klar, so Sommer: Das funktioniert ja wohl gar nicht.

Abgesehen davon, dass nicht klar ist, ob von diesen 75 Prozent nicht einige auf künftige Konzerte von Radiohead gingen und/oder Fans wurden: Diese Zahl ist relativ irrelevant. Die durch die Downloads entstandenen Kosten sind vernachlässigbar.Diese Zahl allein sagt noch nichts über Erfolg oder Misserfolg aus.

Entscheidend ist, welchen Umsatz dieses Vorgehen im Vergleich zur Alternative, dem ‘normalen’ Verkauf des Albums, gebracht hat. (Normal im Sinne von: So haben wir das immer schon gemacht, zumindest seit wir dank Massenfertigung mit Profit so viele Kopien herstellen und verkaufen konnten, wie es ökonomisch sinnvoll war.)

Wie ich bereits auf neumusik.com ausführte, war das Experiment seinerzeit ein voller Erfolg. Music Ally veröffentlichte 2008 eine Zusammenfassung des Ergebnisses:

The publisher will also confirm that Radiohead had made more money before ‘In Rainbows’ was physically released than they made in total on the previous album ‘Hail To the Thief’. It should be pointed out that Radiohead’s existing digital income was of course low, because they had withheld licensing the likes of iTunes.

The topline figure, though, is that there were three million purchases of In Rainbows, including physical CDs, box-sets, and all downloads – including those from the band’s own website and from other digital music stores.

Drei Millionen verkaufte Einheiten von In Rainbows, das von der Band digital kostenfrei beziehungsweise mit dem Zusatz “Bezahl was du willst” angeboten wurde, stehen vorherige Albumverkäufe über das ‘normale’ Vorgehen im Bereich von niedrigen Hunderttausenden gegenüber:

[..]according to Dyball there were a total of three million album purchases including the box sets, CDs and all downloads including iTunes and pay-what-you-like downloads via their official site. That’s an incredible number, given that their previous three albums sold in the low hundreds of thousands.

Wenn man für die Endnutzer kostenfreie Elemente in das eigene Geschäftsmodell einbringt, wird es immer eine hohe Zahl an Zugriffen auf diese geben. Diese ‘Verschwendung’ ist vollkommen normal. Sie ist sogar erwünscht: Erst die maximale Streuung sorgt für maximale Reichweite, und damit für maximalen Umsatz.

Das gleiche Muster lässt sich bei der Aufteilung in kostenfreie Accounts und kostenpflichtige Premium-Accounts beim Freemium-Geschäftsmodell beobachten und ist wie gesagt erwünscht und auch vorhersehbar:

Es sind, wenn man erfolgreich ist, immer (nur) 2-5% der User, die für Premium-Funktionen bezahlen.

Wir müssen uns an diese neuen Verteilungen gewöhnen, wenn wir die neuen Rahmenbedingungen verstehen wollen, innerhalb derer immer mehr Wirtschaftszweige agieren (müssen).

Sie sind die logische Folge extremst niedriger Grenzkosten.

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Darüber habe ich auf neumusik.com geschrieben:

Wenn also jemand fragt, warum das Internet mit seinen so weitreichenden Möglichkeiten so behäbig bei der Schaffung neuer Infrastrukturen für Musikschaffende ist, dann ist die Antwort relativ einfach:

Monopolistische Majorlabels und ihre Forderungen und Vorstellungen behindern die Entwicklung.

[..]

Indem die Majorlabels den Musik-Startups das Geld abgenommen haben, haben sie den Markt frei gehalten für die großen Konzerne wie Apple, Amazon und Google. Genau die, über die sie jetzt lamentieren, weil der Hebel bei den Verhandlungen hier anders aussieht[..]

Weiterlesen auf neumusik.com: Startups: Majorlabels killed the Webmusic-Star

(Foto: cometstarmoon; CC-Lizenz)

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Auf dem all2gethernow letzte Woche war ich auch auf einem Panel mit dem Titel Analyse zur Strukturkrise der Musikwirtschaft – Wohin bewegt sich das Netz?. Im Wesentlichen stellten Lukas Schneider und Stefan Herwig vor der Diskussion eine Analogie vor, die im Anschluss von den Panel-Mitarbeitern diskutiert wurde. Die Analogie fasse ich im Folgenden kurz zusammen:

Wir hatten bereits einmal einen gesellschaftlichen Raum, der unreguliert war und durch technologische Veränderungen zu Veränderungen geführt hat: Die Straßen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Automobilen kam es vermehrt zu Verkehrsunfällen. Der mehr oder weniger unregulierte Raum wurde durch die Straßenverkehrsordnung mit Regeln versehen, die allgemein verständlich beziehungsweise erlernbar waren. Die negativen Effekte des Technologiefortschritts wurden so durch die Regulierung minimiert. Ähnliches lasse sich heute beim Internet beobachten.

So weit die Ausführungen von Schneider und Herwig. Ihre aus ihrer Analogie gefolgerten Forderungen waren etwas schwammig, aber grundsätzlich ging es um eine Art von Plattformproviderhaftung, die sicherstellen sollte, das Angebote wie Rapidshare unmöglich werden und Urheber grundsätzlich die Kontrolle über den Distributionskanal ihrer digitalen Inhalte zurückerhalten.

Ich habe auf dem Panel mit einigen Argumenten dem gezeichneten Bild entgegengehalten und fasse diese im weiteren kurz zusammen, da die Diskussion beziehungsweise der Vergleich mit der StVO auch bereits an anderen Stellen gefallen ist. Es ist eine nette, medienkompatible Narration, die sich durchaus durchsetzen könnte. Deshalb gilt es, einiges davon in’s rechte Licht zu rücken:

Marktversagen: Schneider und Herwig warfen das Wort Marktversagen in die Runde, ohne abzugrenzen, um welchen Markt es geht. Tatsächlich wurde ein Marktversagen von ihnen festgestellt, weil Musikaufnahmen in ihrer digitalen Form zu öffentlichen Gütern werden. Was mich gleich zu meinem ersten Einwurf bringt: Wenn wir den Kreativsektor oder hier den Musiksektor als Ganzes betrachten und uns nicht auf den Markt für den Verkauf von Musikaufnahmen beschränken (was angesichts der verschiedenen Erlösströme innerhalb des Musiksektors dringend gegeben ist), stellen wir zunächst fest, dass der Umsatz der gesamten Musikbranche in Ländern wie UK (die PRS-Studie erwähnte ich auch während der Diskussion) und Norwegen steigt. Steigender Gesamtumsatz in einem Markt ist schwerlich mit einem Marktversagen vereinbar, wie ihn Schneider und Herwig sehen: Die Anbieter-Seite kann keine Einnahmen mehr erzielen, weil ihre Güter zu öffentlichen Gütern wurden. Das ist offensichtlich nicht der Fall. Vielmehr findet eine Reallokation und Umstrukturierung der Erlösströme statt. Deswegen hatte ich auch während der Diskussion angeführt, dass wir hier ein wenn schon dann bei einigen Parteien auftretendes Geschäftsmodellversagen statt Marktversagen vorfinden.

Urheberrecht und der StVO-Vergleich: Herwig und Schneider suggerierten mit ihrem Vergleich, dass wir heute ein Recht haben, das sich in einer Situation befindet wie ein Recht, das sich an Kutschen orientiert, aber mit Automobilen mithalten muss. Das Bild ist nicht schlecht. Die Implikation aber, dass mehr Regulation und/oder stärkere Bestrafung wie im Fall der StVO, der richtige Weg sind, ist irreführend. Um das Bild rund zu machen, müssen wir den Vergleich ausbauen, wie ich es auch während der Diskussion getan habe:

Das heutige Urheberrecht und das Internet wären mit dem Straßensystem und dem Entstehen der StVO nur vergleichbar, wenn wir von einer StVO ausgehen, die nur eine Obergrenze von 10 km/h auf den Straßen erlaubt, weil Pferdekutschen in der Regel auf sichere Art gar nicht schneller fahren können. (Willkürlich gewählte Geschwindigkeit) Jetzt passieren vermehrt Verkehrsunfälle, weil wir mit schnelleren Automobilen fahren, die auch wesentlich schneller als 10 km/h fahren können. Das Äquivalent zum Ruf nach umfassender Internetregulierung wäre folgendes: Wir setzen die umfassende Geschwindigkeitsbeschränkung auf 5 km/h herunter. Das eliminiert das Potential für Verkehrsunfälle nahezu komplett, aber jedem sind die gesellschaftlichen Kosten einer solchen drastischen Regulierung ebenfalls klar.

Das Vergleichbare ist, was aktuell im Urheberrecht passiert: Durch das Internet wurden viele Aktivitäten möglich, die vorher in dem Ausmaß nicht möglich waren. Statt dass sich dieses in der Weiterentwicklung des Rechts widerspiegelt, also dass eine Verschiebung an Rechten in beide Richtungen stattfindet, wird das Urheberrecht restriktiver. Mehr Möglichkeiten treffen auf ein zunehmend restriktiveres Recht. Das keine gesellschaftlich wünschenswerte Lösung sein. (Nebenbei: In keinem westlichen Land wurde Urheberrecht oder Copyright seit seiner jeweiligen Einführung jemals gelockert und immer über die Zeit stückweise weiter verschärft.)

Filesharing und der Verkehrsunfall-Vergleich: Das ist einfach: Filesharing, ob autorisiert oder unautorisiert, hat für die ‘Betroffenen’ auch positive Effekte, Verkehrsunfälle nicht. Auf Filesharing (beziehungsweise das kostenlose Bereitstellen von Inhalten wie Musik) lassen sich Geschäftsmodelle aufbauen. Das mag für den einen besser funktionieren als für den anderen. Aber es beweist auch, dass Filesharing kein Diebstahl, keine Verschmutzung oder ähnliches sein kann oder damit verglichen werden kann. Denn auf Diebstahl, Verschmutzung und Verkehrsunfällen lassen sich keine Geschäftsmodelle von den Betroffenen aufbauen.

Verständliche Regeln: Hier stimme ich Herwig und Schneider zu. Das Urheberrecht war ein Recht, das vor allem auf dem Markt agierende Parteien tangierte, also in erster Linie Unternehmen. Jetzt kommt jeder, der einen Internetzugang hat, automatisch in Kontakt mit dem Urheberrecht, und zwar auf eine Art, die das Verletzen des aktuellen Rechts eine Frage der Zeit macht. Das Recht muss nicht nur inhaltlich angepasst werden, sondern auch in seiner Ausformulierung, so dass es für normale Bürger leicht verständlich wird.

Plattformproviderhaftung: Wir wollen, dass Rapidshare aufhört, mit unautorisierten Downloads Geld zu verdienen. Wir wollen von YouTube verlangen können, dass sie erst gar keine unautorisiert hochgeladenen Videos auf ihrer Plattform freischalten. usw.

Das sind nachvollziehbare Forderungen, die man durchaus diskutieren kann. Die Frage, die sich stellt, lautet: Wie sehen Nutzen und Kosten für die Gesellschaft aus? Um diese Frage klären zu können, muss man zunächst definieren, wer umfänglich wofür haftbar gemacht wird. Die Betreiber von Rapidshare und YouTube für Inhalte auf ihren Plattformen? Die Betreiber von Suchmaschinen wie Google für Links zu illegalen Angeboten? Betreiber von BitTorrent-Trackern für Torrents (die selbst nur Links sind)? Betreiber von Webhosting für Inhalte auf bei ihnen gehosteten Blogs?

Eine weitere zu klärende Frage: Wie sollen an der Inhalteproduktion unbeteiligte Plattformprovider wie YouTube wissen, wann ein Video autorisiert oder unautorisiert auf ihre Plattform hochgeladen wurde? Der Fall Sixtus vs. GVU hat gezeigt, dass selbst Urheberrechtsexperten nicht exakt bestimmen können, ob ein publizierter Inhalt mit den entsprechenden Rechten hochgeladen wurde oder nicht. Die Urheberrecht-Situation und mehr noch die Copyright-Situation im angelsächsischen Raum ist weitaus komplexer als oft suggeriert wird. Ein umfängliche Plattformproviderhaftung würde (nicht nur) UGC-Angebote komplett lahmlegen, weil die (juristischen und administrativen) Kosten in den meisten Fällen nicht mehr tragbar wären. So problematisch die dadurch möglich gewordenen Takedown-Notices auch sind, so muss man festhalten, dass der DMCA in den USA bis dato den besten Kompromiss in diesem Feld bedeutet, weil er gleichzeitig einen gewissen Schutz für UGC-basierte Angebot bietet.

Ich habe diese Fragen während der Diskussion gebracht, diskutiert wurden sie allerdings nicht ausführlich.

Plattformproviderhaftung ist ein weites Feld und ein Unterfeld der Thematik der Plattformregulation, die hier zum Thema Plattformneutralität schon mal kurz angeschnitten wurde, und mit der ich mich demnächst auf neunetz.com näher beschäftigen will. Zu fordern, dass auf User Generated Content setzende Plattformen stärker in die Haftung genommen werden müssen, greift zu kurz, weil oft die dadurch entstehenden gesellschaftlichen Kosten ausgeblendet werden. (Wenig verwunderlich, wenn man die Quellen solcher Forderungen betrachtet.)

Fazit: Wilde Vergleiche mit irreführenden Vereinfachungen machen die Debatte nicht unbedingt einfacher.

–

netzpolitik.org hat auch eine Zusammenfassung der Diskussion veröffentlicht.

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1.: Studie aus Norwegen

Torrentfreak weist auf eine Studie aus Norwegen hin (via), die sich mit den Auswirkungen von (autorisiertem und unautorisiertem) Filesharing auseinandersetzt. Das Ergebnis der Studie: Der Umsatz der Musikbranche ist in Norwegen von 1999 bis 2009 inflationsbereinigt um vier Prozent gestiegen. Torrentfreak:

After crunching the music industry’s numbers the researchers found that total industry revenue grew from 1.4 billion Norwegian kronor in 1999 to 1.9 billion in 2009. After adjusting this figure for inflation this comes down to a 4% increase in revenues for the music industry in this time period.

Das entscheidende aber: In der gleichen Zeit sind die Einnahmen der Künstler inflationsbereinigt um 114 Prozent gestiegen.

In the same period when the overall revenues of the industry grew by only 4%, the revenue for artists alone more than doubled with an increase of 114%. After an inflation adjustment, artist revenue went up from 255 million in 1999 to 545 million kronor in 2009.

[..]per artist the yearly income still saw a 66% increase from 80,000 to 133,000 kronor between 1999 and 2009. In conclusion, one could say that artists are far better off now than they were before the digitization of music started.

In der Tat.

Der Verkauf von Musikaufnahmen war nie die Haupteinnahmequelle für eine große Zahl an Musikern gewesen; entgegen der weit verbreiteten Annahme in branchenfernen Kreisen.

In 1999, 70% of the artists made less than 9% of their total income from record sales, and in 2009 this went down to 50%.

Live performances are the major source of income for most artists. 37% of Norwegian artists made more than 50% of their income from live performances in 2009, up from 25% in 1999. That said, it has to be noted that only a few artists make a full living off their music, as most have other jobs aside.

2.: PRS-Studie (UK)

Ein Umsatzwachstum der gesamten Musikbranche ist nicht nur in Norwegen zu beobachten. Die Verwertungsgesellschaft PRS, quasi ein UK-Äquivalent zur GEMA, hat in einer Studie (PDF) festgestellt, dass die Einnahmen der Musikbranche im UK von 2007 auf 2008 um 4,7 Prozent gestiegen sind. Die Zusammenfassung von Techdirt:

Not surprisingly, it found that retail product sales have declined, but the other parts of the industry have grown noticeably more than the decline in retail sales. This growth has come from a few sources. Live show attendance has increased more than retail sales have decreased. Consumers have actually spent more. On top of that, the business to business side of the industry (sponsorships, licensing, advertisements, etc.) has grown as well, opening up new and lucrative means of making money.

In Stichpunkten:

• CD-Verkäufe sind zurückgegangen.
• Alle anderen Erlösquellen sind stärker gewachsen.
• Live-Auftritte sind stärker gewachsen als CD-Verkäufe zurückgegangen sind.
• Konsumenten haben insgesamt mehr(!) ausgegeben.
• Zusätzlich haben B2B-Aktivitäten zugenommen. (Sponsoring, Werbung)

3.: Untersuchung der Times

Das Labs-Blog der Times hatte Ende 2009 eine Untersuchung zur Musikbranche auf Grundlage von Zahlen von PRS und BPI veröffentlicht. Leider ist der Artikel aufgrund der Bezahlschranke nicht mehr abrufbar. Auszüge:

Why live revenues have grown so stridently is beyond the scope of this article, but our data – compiled from a PRS for Music report and the BPI – make two things clear: one, that the growth in live revenue shows no signs of slowing and two, that live is by far and away the most lucrative section of industry revenue for artists themselves, because they retain such a big percentage of the money from ticket sales.

[..]

An even more striking thing, perhaps, emerges in this second graph, namely that revenues accrued by artists themselves have in fact risen over the past 5 years, despite the fall in record sales.

Das Labs-Blog wies seinerzeit auch auf die notwendige, aber oft leider unterlassene Unterscheidung zwischen Plattenlabeln und der gesamten Musikbranche hin:

It’s interesting too that, overall, industry revenues have grown in the period – though admittedly not by much – which arguably adds strength to the notion that, when the BPI releases its annual report claiming how much ‘the music industry’ has suffered from the growth in illegal file-sharing, what it perhaps should be saying is how much the record labels have suffered.

Fazit

Jeder, der aktuell mit einem Marktversagen im Musiksektor argumentieren will, hat es zunehmend schwerer, seine Position glaubhaft mit Fakten zu untermauern. Die Realität spricht eine andere Sprache.

Tatsächlich hat der Strukturwandel in der Branche nicht nur zu einem höheren Gesamtumsatz sondern auch insgesamt zu mehr Einnahmen bei Musikern selbst geführt. Nicht jedem im Musiksektor geht es damit automatisch gut, aber die Zahlen zeigen, dass es bei weitem nicht so um die Musikbranche bestellt ist, wie die Plattenlabel es gern öffentlich hinstellen.

Der Kuchen wird durch die Digitalisierung und ihre Folgen nicht kleiner, er verändert vielmehr seine Form.

Natürlich gibt es einzelne Parteien, die durch die Digitalisierung schlechter gestellt sind. Diese einzelnen Akteure repräsentieren aber nicht den gesamten Musiksektor.

Update: Weitere Studien mit ähnlichen Ergebnissen auf neumusik.com: Gesamtumsatz der Musikbranche wächst in Norwegen, Schweden, UK und USA

(Hervorhebungen in den Zitaten von mir)

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Erstes Fazit zum im Rahmen der Berlin Music Week stattfindenden all2gethernow (a2n) beziehungsweise zum Campteil, also den ersten zwei Tagen des a2n und dem ersten Kongresstag, der heute neben der Popkomm stattfand (meine Güte, ist das kompliziert):

Während die Deutschen mehrheitlich weiterhin im “Alle, die nicht meiner Meinung sind, sind unmoralisch”-Stadium festhängen (wie beispielsweise Sascha Lobo) und/oder die Lösung für eine angemessene Reaktion auf die Veränderungen in der Regulierung selbiger sehen (Stefan Herwig et al), orientieren sich diejenigen, die aus dem Ausland angereist sind, an konkreten, realen Lösungen und Möglichkeiten (Mike Masnick, Andrew Dubber et al).

Es gibt natürlich positive Ausnahmen, aber der Unterschied zwischen dem allgemeinen Stand der hiesigen Debatte und dem Stand der Debatte in den USA/UK wurde leider wieder sehr oft deutlich.

Umso bemerkenswerter und begrüßenswerter ist das wieder überaus progressive und vielfältige Programm des all2gethernow , das wirklich viele wichtige Aspekte von guten Sprechern vortragen und diskutieren lässt und damit dem deutschen Publikum näherbringt. (Und das sage ich jetzt nicht nur, weil ich insgesamt dann am Ende der Woche auf drei Panels rumgesprungen bin.)

Bisherige Artikel zum a2n auf neumusik.com:

• Free und Freemium im Musikgeschäft
• Über das ‘Connect with Fans’ in ‘CwF + RtB’
• 3 Wege, wie Musiker über bestehende Fans neue Fans erreichen können

Ähnliche Artikel:

1. Streitgespräch zwischen Sascha Lobo und Marcel Weiss zum Thema Filesharing auf der all2gethernow
2. Sascha Lobo vs. Marcel Weiß: Fazit

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Als vor längerer Zeit die heute übliche Praxis begann, nicht autorisierte oder nicht lizensierte Musikvideos auf YouTube massenhaft zu sperren, dachte ich mir, wie brillant die Vorgehensweise von YouTube-Betreiber Google ist: Statt die entsprechenden Videos komplett zu entfernen und dem verdutzten Nutzer eine leere Suchergebnisseite vorzusetzen, behält man den Kontext bei und sagt dem Nutzer etwas in der Art von: “Die Spielverderber von den Majorlabels wollen nicht, dass wir Dir zeigen, was Du sehen willst.”

Eine für die Belange von Google geniale Strategie. Je länger die aktuelle Situation bestehen bleibt, desto schlechter stehen die von YouTube benannten ‘Spielverderber’ in der Öffentlichkeit da. Das heißt, die Verhandlungsposition der Majorlabels wird über die Zeit schwächer, wenn auch sicher nicht massgeblich.

Die Majorlabels und Verwertungsgesellschaften wie die GEMA, die sich seit über zehn Jahren schwer mit dem Internet tun, sehen nicht, in welche Image-Falle sie da tappen. Aber wie könnte eine Industrie, die seit über einem Jahrzehnt die eigenen Kunden mit Massenklagen überzieht, das auch bemerken?

Die teilweise drastisch formulierten Reaktionen auf das aktuelle Vorgehen und seine Folgen nehmen zu und dürften die Einstellung der Nutzerschaft des mit Abstand beliebtesten Videodienstes aber gut widerspiegeln.

Am besten sieht man es vielleicht am folgenden diesen Umstand behandelnden Musikvideo und der Reaktion des Publikums, das bei der bloßen Andeutung bereits sofort wusste, dass es um das Sperren von Videos mit auf Majorlabels lizenzierter Musik geht:

“Anscheinend zählt nur deren Recht auf Umsatz, nicht unser Recht auf Kultur.”

[..]

“Denken die, wenn ich das auf YouTube nicht seh, renn ich los und kauf die CD?”

Man kann jetzt lang und breit darüber diskutieren, ob die Höhe der von der GEMA geforderten Lizenzbezahlung gerechtfertigt ist oder nicht. Unabhängig davon kann man aber festhalten: Die Zeit ist auf Googles Seite.

Kommen wir nun zu etwas völlig anderem: Gericht lehnt Verfügungsantrag der Gema gegen Youtube ab

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Vor einigen Wochen haben Sascha Lobo, Dirk von Gehlen und ich in unseren Blogs über Filesharing diskutiert:

• neunetz.com: Denkfehler: Sascha Lobo glaubt, dass man immaterielle Güter stehlen kann
• saschalobo.com: Die bescheuerte Musikindustrie und die egoistischen Filesharer
• neunetz.com: Filesharing-Debatte: Geschäftsmodellfragen statt ‘Diebstahl’-Argument

Da das Thema Filesharing endlich gelöst werden muss, werden Sascha Lobo und ich jetzt auf der all2gethernow (Vorsicht, autoplay!) in einem Streitgespräch innerhalb der veranschlagten anderthalben Stunde naturgemäß eine Lösung für alle finden.

Die Daten:

FILESHARING: SMEARY & SELFISH NERDS OR PAVING THE WAY FOR FUTURE MUSIC INDUSTRIES? // FILESHARER: SCHMIERIGE EGOISTEN ODER WEGBEREITER DER MUSIKBRANCHE

6. September, 2010
14:30 – 16:00 Uhr
Kulturbrauerei – CLUB 23 (Schönhauser Allee 36, 10435 Berlin)

Hier der offizielle Beschreibungstext:

Bekanntlich gehören Streitgespräche über Sinn und Unsinn von Filesharing zu den konstruktivsten Tätigkeiten überhaupt. Deswegen werden Sascha Lobo und Marcel Weiß über Bedeutung und Auswirkungen des Filesharings diskutieren und ihre diametral unterschiedlichen Ansichten zum Thema dem Publikum präsentieren.

Sind Filesharer Egoisten oder die Vorhut der Zukunft? Was genau bedeutet Filesharing für die Musikindustrie? Kann man es unterbinden und zum Tagesgeschäft zurückkehren oder verändert sich das Musikgeschäft grundlegend? Diese Aspekte werden diskutiert und die Differenzen einvernehmlich gelöst werden.

Die Rettung für alle ist nah.

Der Sched.org-Link.

–

Zusätzlich werde ich am Donnerstag, dem 9. September, auf einem all2gethernow-Panel zum Thema GEMA und Geschäftsmodelle im Netz sitzen:

GEMA, PAY-TO-PLAY – WHAT ELSE? WHO PAYS? HOW MUCH ADVERTISING DO YOU STAND? // GEMA HIN – PAY-TO-PLAY HER: WER ZAHLT FÜR MUSIK IM INTERNET? WIE VIEL WERBUNG VERTRÄGST DU

9. September 9, 2010
17:00PM – 18:30 Uhr
Flughafen Tempelhof – DEUTSCHE KANTINE (Platz der Luftbrücke 5, 12101 Berlin)

Der Beschreibungstext:

Die wohl härteste Prüfung jedes Musik-Startups besteht aus zwei verknüpften Aufgaben: Lizenzierung und (trotzdem) Gewinne generieren. Wie gestalten sich Kosten und Geschäftsmodell eines Internetportals? Was kann realistisch als Beteiligung für Labels und Künstler angesetzt werden? Wo liegt die Schmerzgrenze der Startups? Wo liegt der beste Gewinn Labels – Marketing zum Nulltarif oder Lizenzierung? Was akzeptiert der User? Darf/kann/muss die Benutzung einen – und wenn ja, welchen – Beitrag kosten?

Das Panel auf Sched.org.

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gulli.com schreibt im Zusammenhang von CC-Lizenzen und GEMA:

Die GEMA warnt in ihrem Brief Nr. 59 (September 2006, S. 13) ihre – potentiellen – Mitglieder, dass „Creative Commons […] den individuellen Schöpfer dazu bewegen [will], durch ein spezielles Modell der Rechteübertragung sein Werk der Community zu schenken“, und dass „der Schöpfer geistiger Werke in diesem System keine Aussicht [darauf hat], von seiner Kreativität leben zu können, da er keine Vergütung für die Nutzung seiner Werke erhält.“

Interessante Aussagen der GEMA seinerzeit. Das ist ein klassischer Fall von “Institutionen versuchen, die Probleme zu erhalten, für die sie die Lösung sind.”.

Die GEMA soll als Verwertungsgesellschaft den Urhebern helfen, von ihren Werken leben zu können. Da das GEMA-Modell mit CC-Lizenzen (Creative-Commons-Lizenzen), die oft zugunsten größerer Verbreitung mit Rechtsverzichten kommen, wenn nicht obsolet dann zumindest massgeblich beschnitten wird, wenn CC Verbreitung erhält, argumentiert man gegen CC. Das ist nicht im Sinne der Musiker sondern ausschließlich im Sinne der GEMA.

Denn was ist, wenn ein Musiker über die effizientere Verbreitung seiner Musik über das Internet dank CC-Lizenzierung mehr Einnahmen über andere Kanäle erhält und so unter dem Strich besser gestellt ist? Eventuell benötigen Musiker die für viele oft eh geringen GEMA-Einnahmen überhaupt nicht, um den eigenen Lebensunterhalt mit Musik zu bestreiten?

Die GEMA, da sie als Institution ein Kind der industriellen Verwertung von Kunst ist, vertritt natürlich die Position “direkte Werksvergütung = Lebensunterhalt”. Alles andere steht gar nicht zur Debatte. Alles andere würde das Prinzip GEMA zumindest teilweise in Frage stellen und wenn schon nicht die Institution selbst, so zumindest ihre aktuelle Aufstellung und Wahrnehmung ihrer Aufgabe umwälzen.

Kein Wunder, dass die GEMA gegen Creative Commons hetzt. Ihr Bestehen als Institution hängt auch daran, dass Musiker nicht Rechte freiwillig aufgeben, deren Wahrnehmung die Aufgabe der GEMA ist. Eine Verbreitung von alternativen Geschäftsmodellen, flankiert vom Einsatz von Creative Commons wäre eine Gefahr für die Existenzberechtigung der GEMA. (GEMA-Vertretern muss das nicht unbedingt bewusst sein. Die oben zitierte GEMA-Argumentation seinerzeit wird wohl eher aus einem tatsächlichen naiven Glauben an das Bestehen gestriger Verhältnisse und Unwissen über die ökonomischen Verschiebungen kommen. Das macht es aber nicht unbedingt besser, denn der Existenzgrund einer Verwertungsgesellschaft ist nicht Selbsterhalt.)

Zu behaupten, dass Musiker ihren Lebensunterhalt mit Musik ausschließlich nur bestreiten können, wenn sie auf das Zurückhalten aller Rechte und den direkten Finanzausgleich für jegliche Nutzung setzen, ist allerdings schlicht falsch. Mittlerweile gibt es dafür zunehmend Beispiele, die das Gegenteil beweisen.

gulli.com verweist darauf, dass die nachträgliche Nichtigmachung von CC-Lizenzen durch einen späteren GEMA-Beitritt nicht rechtens ist. Vor einigen Tagen wurde die Nichtigmachung der CC-Lizenzen auf Phlow anhand eine Vorfalls bei einem DJ-Auftritt mit CC-Musik diskutiert, ich hatte meine Zweifel, ob das rechtens war. gulli.com:

Eines der Grundprobleme der creative-commons-Lizenzen gerade für Laien bzw. unerfahrene Rechteinhaber ist die prinzipielle Irreversibilität einer einmal erteilten cc-Lizenz. Während man aus der GEMA austreten kann und der Verwertungsgesellschaft damit die Wahrnehmung der eigenen Rechte entziehen kann, kann man die GEMA also nicht mit der Wahrnehmung von unter cc-Lizenz veröffentlichter Musik beauftragen, da mit einer cc-Lizenz kein automatischer Vergütungsanspruch verbunden ist.

Wer als Podcaster oder DJ also nachweisen kann, dass Material Dritter zum Zeitpunkt der Verwendung vom Urheber unter einer cc-Lizenz veröffentlicht worden war, kann unter Hinweis auf diese Lizenz einen etwaigen später erhobenen Vergütungsanspruch des Urhebers durch die Verwertungsgesellschaft ablehnen.

Nicht mehr rückgängig machbare CC-Lizenzen. Kein Wunder, dass die GEMA den Anfängen wehren will.

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Die Strategie der Plattenindustrie, die eigenen Kunden im großen Stil zu verklagen, kann man für suboptimal halten. Dass diese Strategie, die der Plattenindustrie viele Sympathien gekostet hat, auch noch defizitär ist, deutet allerdings auf eine bemerkenswerte Verbohrtheit der Manager hin, die seit zehn Jahren daran festhalten.

Im Blog Recording Industry vs. People werden die Summen aufgeschlüsselt, die die RIAA, der Plattenindustrieverband in den USA, verdient und ausgegeben haben. Für 2008:

The RIAA paid Holmes Roberts & Owen $9,364,901 in 2008, Jenner & Block more than $7,000,000, and Cravath Swain & Moore $1.25 million, to pursue its “copyright infringement” claims, in order to recover a mere $391,000. [ps there were many other law firms feeding at the trough too; these were just the ones listed among the top 5 independent contractors.]

Für 2007:

As bad as it was, I guess it was better than the numbers for 2007, in which more than $21 million was spent on legal fees, and $3.5 million on “investigative operations” … presumably MediaSentry. And the amount recovered was $515,929.

Zieht man die Zahlen von 2006 bis 2008 zusammen, kommt man laut Ray Beckerman für diese drei Jahre auf eine Bilanz von 64 Millionen Dollar in Kosten für Anwälte und private Ermittler und Einnahmen von 1.361.000 Dollar. Techdirt merkt an, dass damit nur zwei Prozent der dadurch entstandenen Kosten abgedeckt sind.

Natürlich verfolgt die Plattenindustrie damit auch eine Strategie der Abschreckung. Da aber in dieser Zeit illegales Filesharing nicht gesunken ist, stellt sich die Frage, wie man eine solche defizitäre Strategie, die noch dazu imageschädigend ist, über so eine lange Zeit gegenüber den Shareholdern und Stakeholdern rechtfertigen kann.

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ReadWriteCloud in einem Artikel und einem Schaubild wie Musikdienste heute aussehen und morgen aussehen müssten:

Viele Verbindungen wären heute schon mit ausgebauten APIs möglich. Nicht möglich ist das Meiste davon allerdings aufgrund der Lizenzen der Majorlabels, die mit ihrem Hebel darauf achten, die Entwicklung der Musikdienste zu steuern (und dabei in erster Linie nicht an einer florierenden Online-Musiklandschaft interessiert sind). Schade, aber Realität.

Zitiert wird ein Forrester Research-Bericht zum Thema, aus dem auch das obige Schaubild stammt:

The report’s author Mark Mulligan contends that the music industry’s business models and licensing rights issues have shaped the way in which digital music services have developed, creating a “highly splintered environment in which the consumer must navigate multiple technologies and applications throughout the four stages of the music experience journey”: discovery, acquisition, consumption and management.

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Mixlr ist eine spannende Sache, die aller Voraussicht nach innerhalb kürzester Zeit aufgrund des Urheberrechts platt gemacht wird:

Comprising of a Mac-only client (although a Windows and iPhone app is planned), users can plug-in any audio feed to their Mac and begin live streaming, pushing out a URL of their feed via Twitter, Facebook and MySpace or to share in other ways. Live performances can also be uploaded, archived, and tagged (including location), as well as sent to a SoundCloud account, a service that Mixlr both complements and potentially competes with.

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Ein Kommentator auf Techdirt hat Daten der RIAA-Mitglieder über die letzten Jahre zusammengestellt. Die RIAA ist der Verband der Plattenindustrie in den USA. Techdirt selbst hat aus diesen Zahlen eine Grafik erstellt, die im Grunde aufzeigt, was Beobachter auch so schon wissen: Es geht zu Ende mit den Labeln, die RIAA-Mitglieder sind.

Man sollte dabei immer Folgendes im Auge behalten: Es geht zu Ende mit der Plattenindustrie, nicht mit der Musikbranche. Beide sind nicht identisch. Die Plattenindustrie ist nur ein Teil der Musikbranche, der in einer historisch betrachtet kurzen Zeit innerhalb der Branche sehr bedeutend war. Diese Zeit geht nun zu Ende.

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Mick Jagger im Interview mit der BBC über die historisch kurze Zeitspanne, in der Musiker mit dem Verkauf von Musikaufnahmen tatsächlich direkt Geld verdienen konnten:

But I have a take on that – people only made money out of records for a very, very small time. When The Rolling Stones started out, we didn’t make any money out of records because record companies wouldn’t pay you! They didn’t pay anyone!
Then, there was a small period from 1970 to 1997, where people did get paid, and they got paid very handsomely and everyone made money. But now that period has gone.
So if you look at the history of recorded music from 1900 to now, there was a 25 year period where artists did very well, but the rest of the time they didn’t.

Das Bemerkenswerteste an der Debatte rund um das Musikbusiness im Internetzeitalter ist, dass viele so argumentieren, als wäre es ein festgeschriebenes Gesetz wie die Schwerkraft, dass für Musikaufnahmen direkt zu bezahlen ist und damit direkt Geld zu verdienen ist. Alles andere erscheint ihnen absurd. Wohl, weil sie es aus ihrer eigenen Erfahrung nicht anders kennen.

Dabei ist genau die Annahme, so war es immer, sei es und so müsse es für immer sein, historisch betrachtet absurd.

via Boing Boing (via Shared Items von Felix Schwenzel)

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Interface-Möglichkeiten, die sich durch den Touchscreen des iPads ergeben, können gerade im kreativen Bereich neue Herangehensweisen ermöglichen. Ein paar Beispiele aus dem Bereich der Musikproduktion und verwandter Felder:

DJ Rana June führt ihr Setup mit zwei iPads, diversen Apps und einem Mixer vor:

Unter Destroy The Silence kann man sich ihr Setup anschauen und Hintergründe nachlesen.

Das Korg iElectribe ist eine der Apps von Rana Junes Setup. Es ist ein relativ exakter Nachbau des Korg Electribe R.

Hier ein Demo-Video mit dem Korg iElectribe:

Eine weitere App von Rana June ist das interessante Looptastic:

Magic Piano ist aus Interface-Gesichtspunkten ebenfalls recht interessant:

Auch Instrumente werden auf dem iPad nachgestellt. Zum Beispiel Harfen(via):

In keeping with the tradition of those instruments, notation can appear beneath the harp for those learning to read. There are five songs and lyrics included, and the developers promise a future release will have blank sheet music for recording and saving your own music.

Im folgenden Video sieht man ein Setup eines iPads mit TouchOSC, verbunden mit dem Sequenzer Logic:

Das noch nicht erhältliche Midipad ist eine iPhone-App, die als MIDI-Controller fungiert. (MIDI ist der etablierte Standard, über den Musik-Geräte synchronisiert und angesprochen werden können.) Die Macher über die Funktionen des Midipads:

In the production-environment midipad can control host-applications like Apple Logic, Steinberg Cubase/Nuendo, Ableton Live etc.

It can also be used to control stand-alone applications from companies like Native-Instruments, Spectrasonics and many more.

As a live-musician you can control sub-mixes of your virtual keyboard-rig, activate setups and change parameters of the virtual instruments or even hardware-instruments – all in realtime on stage.

Hier sieht man das Midipad im Verbund mit dem populären Sequenzer Ableton Live:

Auf Create Digital Music findet man ein Tutorial-Video, wie man das iPad bereits heute als Multi-Touch-Controller für Ableton Live nutzen kann.

Electrify ist eine Groovebox wie das iElectribe, aber samplebasiert (und damit natürlich potentiell spannender):

Eher Spielzeug als alles andere ist die “Baby Decks”-DJ-App:

Der bekannte Pianist Lang Lang spielt auf dem iPad Piano:

Weitere Übersichten über Musik-Apps findet man auf Create Digital Music hier und hier. In letzterem Artikel findet man auch einige komplette Studios als Apps. Die Hardware des iPads scheint prädestiniert, die Musikwelt nachhaltig zu beeinflussen:

Apple gets sound. I don’t actually think you need Core Audio or AU support or (often) even native code to make sound work. But the simple reality is that a lot of mobile devices can’t output the kind of audio performance that the iPhone platform can.

Laptops haben die letzten Jahre die elektronische Live-Musik sehr stark bestimmt. In naher Zukunft werden sie wohl von iPads und anderen Multitouch-Tablets abgelöst werden.

Das Disruptive an den meisten Apps: Ein Setup aus iPads + Musikapps ist in der Regel um ein Vielfaches günstiger als der Erwerb der Hardware-Alternativen, selbst wenn man neben den Preisen der Apps die Kosten für ein oder zwei iPads mit einrechnet.

Das Bemerkenswerte an dieser Sammlung: Die meisten Apps rekonstruieren noch akribisch ihre analogen Vorbilder.

Wenn die Entwickler anfangen, die Möglichkeiten eines Multitouch-Screens voll auszukosten – losgelöst von physischen Beschränkungen nachempfundenen Elementen wie Drehreglern und Knöpfen -, wird es noch eine ganze Ecke interessanter werden.

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Matthias Spielkamp im Kulturkampf-Blog der ZEIT über die von der Tonträgerindustrie, die sich gern Musikindustrie nennt, oft verbreiteten Zahlen:

Demnach sollen den Rechteinhabern (nicht den Urhebern!) durch Verletzungen von Imaterialgüterrechten 200 bis 250 Milliarden Dollar an Einnahmen verloren gehen und es würden 750.000 Jobs gefährdet. Das Problem an den Zahlen ist nicht allein, dass nicht klar ist, worauf sie sich beziehen. Gehen diese Jobs und diese Einnahmen pro Jahr verloren? Oder kumulativ? Über welchen Zeitraum?

Sondern dass bislang auch unklar blieb, wie diese Zahlen zustande kamen. Wer hat sie erhoben? Mit welcher Methode?

[..]nichts ist dran an den Zahlen. Ausgedacht, weitererzählt, zitiert, dann wieder zitiert, dann nochmal zitiert, und schon hat man Quelle über Quelle, auf die man sich berufen kann – völlig unabhängig davon, dass es nie eine belastbare Aussage gab.

[..] Ich gehe (weiterhin) davon aus, dass alles, was von dieser Industrie kommt, als falsch betrachtet werden muss, bis das Gegenteil bewiesen ist.

Matthias Spielkamp verweist auf einen lesenswerten Artikel auf Ars Technica zum Thema vom Oktober 2008, in dem beispielhaft der Umgang mit Scheinfakten aufgezeigt wird:

both numbers are seemingly decades old, gaining a patina of currency and credibility by virtue of having been laundered through a relay race of respectable sources, even as their origin recedes into the mists. That’s especially significant, because these numbers are always invoked as proof that the piracy problem is still dire—that everything we’ve done to step up international enforcement of intellectual property laws has been in vain. But of course, if you simply recycle the same numbers from 15 and 20 years ago—remember that IACC’s 2005 publications still cite that 1995 congressional testimony, from which it seems safe to infer that they have no more recent source—then it will necessarily seem as though no ground has been gained.

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